J.Fín J.Fín

Sa production artistique des années 1960 se compose principalement de gouaches sur papier. Celles-ci constituent un très large pan de sa dernière période qui, bien que marquée par la maladie grave et donc par le repos forcé, déborde d’énergie picturale. Le lyrisme intense de cette œuvre et sa magie sont peut-être le fruit d’une autre façon de regarder le monde de la part d’un artiste terriblement conscient de ses limitations physiques et de leur injustice.

Les œuvres les plus anciennes de l’artiste, qui remontent aux années 1930, dénotent sa connaissance de la peinture postimpressionniste et sa pratique dominante de la figure, du portrait et des natures mortes. Peu d’entre elles ont été conservées, l’explosion d’une bombe dans son atelier ayant détruit la quasi-totalité de la production de cette période. Fín était un excellent portraitiste et un grand amoureux du nu féminin. Le Portrait de Ramon Rogent date de 1943. La poétique du coup de pinceau, l’expression du visage, la maîtrise de la lumière et du jeu des ombres qui mettent en valeur le personnage en font l’une des œuvres les plus représentatives de cette première époque. Rogent sera un grand ami de Fín et tous deux exposeront ensemble en 1943 aux Galeries Reig de Barcelone.

Sa période abstraite s’avère indissociable de la technique avec laquelle il exécute son œuvre, dominée par le dessin et le fusain. Fín délaisse la technique de l’huile sur toile de sa période barcelonaise et travaille le fusain sur papier ou carton, utilisant aussi parfois, comme support, des toiles anciennes – pauvreté oblige. Le blanc et le noir sont des couleurs que Fín utilise très souvent, en accord avec son état d’âme, qui le pousse également vers des compositions géométriques rigoureuses et nues. Comme le rappelle Pilar Vélez, certains critiques ont voulu établir un lien entre ces œuvres et la sobriété de certains thèmes picassiens, produit d’un sentiment d’impuissance face à la catastrophe de la guerre civile et de la Seconde Guerre mondiale.

Progressivement, entre la fin des années 1940 et le début des années 1950, Fín abandonne ce versant abstrait et revient vers la figuration, selon une orientation qui diffère de celle de sa période barcelonaise mais garde tout de même un certain lien avec elle. À son arrivée à Paris, comme nous l’avons vu, Fín s’engage sur les chemins de l’abstraction venue du cubisme, mais très vite, et surtout quand il quitte La Ruche, il réoriente son travail vers des formes où il se sent plus à l’aise, plus satisfait, plus fidèle à lui-même, reprenant le fil de son œuvre barcelonaise et explorant ses sujets privilégiés, la nature morte et la figure. Comme si l’artiste, après une étape de réflexion intense, avait définitivement compris quelle ligne il devait suivre, quel était son véritable chemin.

Le retour de Fín à la figuration marque son entrée dans la maturité artistique et l’amorce de sa peinture la plus distinctive, celle pour laquelle, avant tout, il est aujourd’hui reconnu. Dans les années 1950, le triomphe des facettes les plus diverses de l’art informel, en particulier en Catalogne, amène la critique à survaloriser cette ligne picturale, la figuration étant reléguée à l’arrière-plan. Dans ce contexte, Fín poursuit à Paris une voie de plus en plus intimiste et lyrique, jouant toujours avec les mêmes thématiques : la nature morte, les oiseaux à long bec, les figures féminines et les taureaux.

Les années 1950 marquent chez Fín l’affermissement d’une ligne figurative éloignée de l’art informel qui s’impose un peu partout, par laquelle il s’efforce de rester lui-même et de se tenir à l’écart des modes et des tendances. Dans de nombreuses compositions, comme dans cette nature morte, Fín opte pour un simple silhouettage du volume à l’aide d’une ligne noire nerveuse et contondante. Cette technique ouvre la voie à sa dernière étape artistique. Une tendance que Pilar Vélez rapproche de certaines œuvres de Wifredo Lam, qui était un ami de Fín.

Comme l’affirme Pilar Vélez, c’est la dernière période de Fín, assurément la plus singulière et la plus distinctive de sa carrière artistique, qui a été la plus commentée par la critique. Les oiseaux et les poissons en sont les sujets majeurs, presque omniprésents. Il convient également de noter la présence du nu féminin, ainsi que des instruments à cordes, désormais beaucoup plus simplifiés, qui renvoient à son époque barcelonaise.

Les compositions des années 1960 peuvent être considérées comme de grands puzzles constitués de nombreux éléments parfaitement ajustés les uns aux autres, comme si après avoir été secoués, ils s’étaient mis en place de façon ordonnée. Le contour noir, au trait nerveux, sera une constante dans toutes les œuvres de cette période, ainsi que l’utilisation d’une palette de couleurs très restreinte dominée par le jaune, le rouge et le bleu.

En 1946, Fín s’installe à Paris, plus précisément à La Ruche, grâce à une bourse de l’Institut français de Barcelone. Cette cité d’artistes fondée par Alfred Boucher a pour vocation de fournir aux créateurs à des prix très modiques un endroit où vivre et travailler. Le pavillon circulaire est divisé en salles triangulaires qui servent à la fois d’ateliers et de résidences. Fín se tourne immédiatement vers l’abstraction, ce qu’une certaine presse barcelonaise attribue à une impulsion de jeunesse, à un essai conjoncturel dénué d’importance. Cette étape se prolonge jusqu’à la fin de l’année 1949 et constitue pour l’artiste une expérience décisive, à la fois artistique et existentielle.

À Paris, l’artiste rompt avec la figuration et se plonge dans l’abstraction la plus pure. Fín n’a jamais été partisan de l’abstraction pour l’abstraction et n’a cessé de faire référence à la nécessité de l’objet concret en tant qu’élément fondamental de sa peinture. En 1955, Fín affirme que "l’abstraction devait être le coefficient de l’élément réel. On s’exprime par des images et non à partir d’idées abstraites, qui aboutissent à la mort des choses".

Dans ce portrait datant des années 1940, on peut voir le collectionneur et grand ami de Fín, Francesc Mèlich, son épouse Carmen Juste et leur fils. Les Mèlich-Juste ont soutenu sa vocation de peintre, comme en témoignent les œuvres qui faisaient partie de leur collection. Grâce à Mèlich – chimiste, photographe et graveur –, Fín entre dans le monde de la gravure, le collectionneur lui permettant de travailler dans son atelier d’imprimerie artistique, où il s’installe en 1945. Ainsi, lorsque, peu de temps après, Fín part pour Paris, il laisse derrière lui, dans l’atelier de Mèlich, des objets et des œuvres lui appartenant. Les créations de cette période témoignent déjà du souci et de la recherche d’une forme authentique.

C’est pendant les dernières années de sa vie que Fín devient vraiment Fín. Ce sont des années de création intense, non seulement picturale mais aussi graphique. Les sujets figuratifs – les figures féminines nues, mais surtout les singuliers oiseaux au long bec et les chevaux – y sont prédominants. Une œuvre incomparable interrompue par une mort prématurée. Le 8 mars 1969, Fín décède à Paris et, quelques jours plus tard, sa dépouille est transférée à Barcelone. Il est enterré au Vieux Cimetière auprès de ses grands-parents, ses parents et certains de ses frères.