María Helguera Helguera

L’artiste emploie dans cette œuvre l’image du taureau, si enracinée dans la culture espagnole, et l’utilise comme un symbole d’identité. Comme tant d’autres artistes qui ont exploré le monde de la tauromachie, Helguera réfléchit sur le rituel, presque initiatique, et teinté de “sacrifice”. L’image à l’air primitiviste présente l’animal au centre. Chromatiquement réduite, l’œuvre nous rappelle les peintures rupestres, où l’environnement est capturé comme une tentative de cataloguer et de définir la réalité. Les incisions dans la couche mordante de peinture brune délimitent l’animal, qui plus que peint, nous est présenté inscrit, gravé sur une huile matérielle.

Avec la même technique que la précédente, on nous présente Canto a lo Profano [Chanson ]. Une figure masculine et une autre féminine semblent s’y entremêler. Un symbole qui nous rappelle davantage la culture mapuche, typique de l’Argentine et le Chili avant la colonisation espagnole. L’identité culturelle joue un rôle important dans l’œuvre de Maria Helguera, qui prend conscience de sa propre identité en vivant en exil à Barcelone. Elle décrit elle-même un retour conceptuel à Buenos Aires et en Amérique latine seulement au moment où son lieu de résidence n’est pas le lieu d’origine, puisque vivre dans une ville n’est pas simplement exister.

Dans ce travail, nous voyons une chromatologie différente des précédentes, malgré le fait que le matériau et la technique incisive lui ressemblent. Purita casualidad [Pur hasard] reprend et renforce l’idée de deux aspects, masculine et féminine, unis. Une seule entité composée des deux sexes, qui semblent se confondre pour laisser place à un caractère nouveau. C’est conceptuellement similaire au mythe d’Aristophane : a l’origine, l’être humain était divisé en trois catégories, ceux formés par deux corps d’homme, ceux formés par deux corps de femme et enfin ceux formés par un corps d’homme et un corps de femme. Finalement, Zeus, comme punition pour sa vanité, les divisa tous en deux moitiés.

Cette œuvre, qui rappelle la peinture de La Cène de Léonard de Vinci, est un hommage à Hernández Pijuan, qui était très proches de María Helguera, comme Ràfols Casamada, Maria Girona, et d’autres artistes des milieux barcelonais liés à l’école Eina. C’est ainsi qu’Helguera fait la connaissance de Tàpies, par l’intermédiaire duquel elle approfondit des thèmes plus primitivistes et des techniques comme l’empâté. La complexité de la symbologie de l’œuvre de l’artiste est présente dans des tableaux comme celle-ci, où il y a des réinterprétations, des adaptations d’œuvres classiques, dans un langage influencé par des artistes contemporains et avec une symbologie qui puise dans la culture latino-américaine, ainsi que des représentations de leur réalité.

Cette œuvre semble aussi être une réinterprétation de La Fiancée juive de Rembrandt. qu’elle décrit comme un manque de respect flagrant envers l’artiste, mais en même temps une déclaration d’amour. Une œuvre de prédilection d’Helguera, qu’elle a choisi pour s’engager dans une nouvelle étape picturale où l’émotion l’emporte sur la technique. D’une part, elle a abandonné l’utilisation des pinceaux pour travailler avec des empâtés et des spatules, et d’autre part, elle a réduit drastiquement sa palette à trois couleurs, avec le désir d’extraire toutes les nuances possibles du rouge, du bleu et du jaune. L’œuvre marque un tournant dans le style et la carrière de l’artiste.

Piel del otro I [Peau de l’autre I] ouvre une nouvelle ligne conceptuelle et stylistique de Maria Helguera, qui nous ramène aux œuvres d’Yves Klein, mais avec une connotation différente. Comme si ce qui l’intéressait était l’impression directe du corps. C’est aussi proche de la technique japonaise du gyotaku, où le poisson qui sert de matrice, est encrée et estampillé directement sur le papier. Le résultat donne une représentation fidèle à l’original, où nous pouvons apprécier la taille, les textures des échelles, la forme. Nous constatons une sensation similaire dans cette œuvre, ainsi que dans Perros Sueltos [Chiens sans laisse], où les textures des corps, de leur pelage et de leur force sont marquées sur le support.

Le cheval est utilisé dans de nombreuses œuvres d’Helguera comme iconographie, d’une part, de l’identité latino-américaine et, d’autre part, comme mémoire de l’identité familiale. L’artiste se souvient de la nature sacrée des chevaux. Une nature primaire et élémentaire, similaire au taureau espagnol mentionné ci-dessus. Nous comprenons ici le puzzle culturel de l’artiste, qui vit loin de sa culture d’origine et au même temps elle se sent comme une étrangère dans sa ville de résidence. L’œuvre parlerait de la “mémoire de la peau”, comme le mentionne Jaume Vidal lui-même dans le texte du catalogue réalisé pour l’exposition. Nous comprenons le processus difficile de l’exil politique, de l’identité fragmentée, et nous percevons une tentative de laisser une empreinte dans le sens le plus littéral du terme : peindre sa propre peau et la tamponner.

Installation de l’artiste qui raconte le voyage de l’exil de Buenos Aires à Barcelone. Comme signe avant-coureur d’un voyage sans retour, son travail présente un dialogue entre ces deux lieux. La tunique centrale, cousue avec la représentation de certaines de ses œuvres, nous est présentée comme un costume de pèlerin et nous rappelle aussi les tuniques typiques de la Semaine Sainte ou celles d’Amérique latine. Encore une fois, le pont culturel. Des rideaux réalisés avec des dessins protègent, isolent et exaltent la tunique en tant qu’élément central. Le titre Las olas del tiempo [Les Vagues du temps] sert de catalyseur à une expérience de traversée de la mer, dans laquelle le temps joue un rôle crucial dans la transformation, l’apprentissage et, surtout, l’identité fragmentée, comme dans toutes les œuvres d’Helguera.