Ansesa Ansesa

Ces persistances qui se réinventent dans une recherche constante, l’exposition permet de les découvrir en rapprochant des œuvres d’époques différentes qui présentent des éléments formels similaires. Ainsi, les calligraphies qu’on voit dans ce tableau, gestuelle primordiale qui explore le signe en tant que graphie, dépassant la simple écriture et devenant symbole, ne cesseront d’évoluer pour en arriver au dernier hommage à Joan Miró (œuvre numéro 15), où le geste est devenu un « dripping » noir.

Enric Ansesa n’a jamais hésité à se rapprocher de mouvements différents dans la mesure où cela lui permet de mieux exprimer ses pensées. On ne s’étonnera donc pas de trouver dans ses œuvres des références à l’art cinétique, au Pop Art, à l’expressionnisme abstrait, au minimalisme, à l’arte povera, au conceptuel ou au figuratif, qui ne sont pour lui que des ressources au service d’une idée à exprimer sur une surface, presque toujours noire, comme s’il s’agissait des différentes nuances d’une palette. Son œuvre est issue de son temps et connaît à ce titre toutes les tendances artistiques du siècle dernier. L’artiste les utilise quand il le juge bon, quand il en a besoin.

Parmi les persistances d’Ansesa il y a aussi les points. Réalisés à la peinture acrylique au début des années 1980, ils deviendront selon les nouveaux matériaux aiguilles ou caoutchouc, sans pour autant que le message change. Le point est l’un des éléments formels qu’il a le plus travaillés, le changeant en une abstraction au sein même de l’œuvre abstraite, en un univers en soi. Un point parfois issu de la lettre/signe/symbole, parfois surgi comme une individualité ou comme un élément d’une multitude lorsqu’il se reproduit. Le point, élément métaphysique et spirituel, mais aussi image de quelqu’un de précis, avec un visage et des yeux, un nom, un prénom et une numérotation. Le point, fin mais aussi commencement. Le point zéro de Malevitch : l’une de ses références.

Les œuvres d’Ansesa brouillent souvent les frontières entre peinture et sculpture/objet. Cette caractéristique de son travail artistique s’intensifiera au fil des années. Sortie hors de la conception du tableau comme fenêtre, comme mensonge, au profit de la peinture comme réalité, comme objet en soi, comme élément tangible. Un tableau qui n’est rien d’autre qu’une surface plane sur laquelle agir. Francesc Miralles a fort justement défini Ansesa, il y a quelques années, comme « un conceptuel qui peint ».

La ligne peinte qui divisait en deux certaines de ses compositions des années 1970 et 1980 s’est transformée en suture sous l’influence des « concetti spaziali » de Fontana. Des œuvres cherchant par les entailles et les trous dans les toiles à échapper aux deux dimensions du tableau et à se rapprocher des trois dimensions de la sculpture, sans pour autant s’écarter de certains aspects propres à la peinture, notamment le geste. « After Fontana » est un nom fort éloquent pour ces œuvres qui ont failli être accrochées à côté des « concetti spaziali », un projet que le critique italien Enrico Bellati n’a pas pu accomplir avant de nous quitter.

La suture se répétera elle aussi, ou se multipliera et avancera vers des formes rappelant les verrous médiévaux, les surfaces noires/sombres/lisses se transformant en portes imaginaires en attente d’être ouvertes. Une dualité, ici l’ouvert-fermé, que l’artiste déclinera sous différents paramètres tout au long de sa production. Obscurité et lumière, sobriété et sentiment, matière et dessin, ou, sa préférée, ordre et chaos. La dualité toujours présente, épine dorsale de l’œuvre d’Ansesa.

Les dernières persistances de l’exposition sont les croix. Une icône reprise et travaillée par plusieurs artistes contemporains, mais qui renvoie ici au « Carré noir sur fond blanc », au « Cercle noir » et à la « Croix noire » de Malevitch. Des œuvres dont Ansesa dit lui-même que le passage du temps les a bonifiées en ajoutant la fissure à la peinture. Et cela en dit long sur sa façon de comprendre l’art. Comme le point noir initial, l’iconographie de la croix sera présente depuis le début. Tout d’abord comme un signe de la négation, parfois comme un hommage à son « père artistique », Malevitch, et souvent comme une icône omniprésente dans notre culture chrétienne, comme un symbole de spiritualité en Occident. Un autre élément essentiel pour comprendre sa production. Spiritualité et réflexion.

Le suprématisme de Malevitch et ses théories artistiques éliminant du tableau tout objet ou figure représentée est l’autre grande référence qui traverse cette exposition. Il y a plus d’un siècle à présent, Malevitch atteignait par ses peintures suprématistes le point zéro, autrement dit la plus grande abstraction. Un point initial où tout est là, un lieu imaginaire où l’art, la science, la spiritualité, l’espace et le temps se rencontrent. Un univers en soi qui n’exige plus du spectateur une participation basée sur le plaisir purement esthétique produit par l’observation, mais qui, en l’absence de tout élément dans le tableau, le confronte à la réflexion, au raisonnement métaphysique supérieur à la simple jouissance produite par un objet plus ou moins beau. C’est là que commencent les œuvres d’Ansesa, dans la plus pure abstraction.

Pour Ansesa, les matériaux utilisés ne sont qu’un moyen de s’exprimer, un outil pour la recherche d’une perfection formelle, toujours plus proche, dans les créations qu’il nous propose. Acrylique, résines, matière, aiguilles, objets, leds ou caoutchouc, comme on le voit dans cette œuvre, un grand polyptyque bleu sur caoutchouc à l’aspect cinétique, qui nous invite à voler en nous laissant porter. « Je me souviens encore du premier jour où j’ai vu, à l’entrée d’une galerie de Barcelone, cette première œuvre en caoutchouc, nette, à l’intérieur d’un simple rectangle qui la présentait nue, dépouillée de peinture, fantastique dans sa simplicité, humaine dans sa perfection par le bonheur du matériau choisi. C’était comme cet angle de 89 ou 91 degrés dont nous parlait Eduardo Chillida, qui semblait droit mais ne l’était pas. Il se passait la même chose avec ce matériau, qui n’était pas droit malgré une apparence géométriquement parfaite. C’était un pas de plus, un cheminement vers une œuvre définitive ne cessant d’évoluer. » Toni Álvarez de Arana

L’exposition présente, à la manière d’un fil conducteur, une série d’œuvres de petites dimensions, comme c’est le cas ici. Ce sont de petits formats que l’artiste utilise depuis le début et qui donneront ensuite lieu à des œuvres plus grandes. On pourrait croire que ce sont de simples préparations ou des études, comme chez les peintres classiques, mais on a affaire en réalité à des œuvres achevées, parfaitement abouties, qui, transposées en grand format, prennent une valeur presque totémique et brouillent souvent les frontières entre peinture et sculpture/objet.

Ce petit format nous ouvre à une évolution dans l’espace limité qu’est la toile, un plan dépourvu de perspective où tout est possible, où, en même temps, tout peut être remis en question, y compris le noir, qui, au fil de sa présence, cesse d’être une couleur pour devenir une simple surface de travail, un support sur lequel l’artiste est à l’aise pour enseigner aux autres sa vision particulière du monde qui l’entoure. « Un tableau doit contenir en lui tout l’univers », nous dit Ansesa.

Après cinquante ans de travail incessant, ses œuvres font apparaître toutes les persistances. À présent, les sutures se remplissent de symboles, les croix portent des aiguilles et les points noirs stylisés, réalisés avec de la peinture acrylique au début des années 1980, sont devenus, comme on le voit ici, une épaisseur de matière, les filets de la pensée s’étant obstinés à capturer des calligraphies. Tout un ensemble d’éléments qui composent son monde, chaque œuvre étant, comme il le souhaite, un univers.

Ici, une fois encore, un petit format indique le nouveau chemin à explorer. Ce sera par la lumière émanant des points de ses œuvres grâce aux nouvelles technologies. Et, en même temps, il annonce la prochaine installation que l’artiste présentera à la chapelle de Sant Nicolau, l’un des quatre espaces de sa ville natale de Gérone qui, avec le Musée d’art, la Maison de la culture et le Musée d’histoire, rendent aussi cette année hommage à sa carrière.

Une belle « estelada » [drapeau indépendantiste catalan] étendue sur le sol clôt cette exposition, représentant à la perfection un moment agité de nos vies récentes. On pourrait presque parler de cette pièce comme d’un document historique qui, sans concessions, cru comme la réalité, conclut ce parcours et nous ramène à notre vie quotidienne. L’exposition est terminée.