Ramon Herreros

Herreros apprécie particulièrement un passage de La Lumière de la nuit, l’essai de Pietro Citati, que nous recopions ici et qui donne une idée de la fascination de l’artiste pour la représentation humaine : « Parfois, en parcourant le monde, prisonniers de notre corps comme l’huître de sa coquille, il nous arrive d’apercevoir un beau visage. L’apparition clignote et nous voyons dans la mémoire la Beauté céleste, semblable à celle que nous avions contemplée une fois, resplendissant sur son piédestal sacré. En voyant le très beau visage, nous sommes stupéfaits et bouleversés : un frisson d’horreur sacrée nous assaille, comme l’initié pendant les mystères; quelque chose de nos peurs d’alors s’insinue dans notre esprit. Nous regardons la belle image terrestre et la vénérons profondément ; et si nous ne craignions pas de passer pour des fous, nous lui offririons des sacrifices. »

Le portrait est un genre qui l’a toujours attiré, affirme Ramon Herreros. Sans doute parce qu’il se sentait fasciné, avant même de se tourner vers la figuration, par la thématique complexe du rapport entre le peintre et son modèle. Dans les portraits montrés dans cette exposition, les modèles posent à l’atelier, mais en dehors de toute commande, bien loin, donc, des connotations sociales dont le portrait a été chargé tout au long de l’histoire. Ces œuvres sont perçues comme des expériences intimes entre peintre et modèle.

L’atmosphère que respirent les modèles de Herreros est la réalité du tableau en lui-même, un espace apparemment dépourvu de référents : la modèle est le personnage principal autour duquel l’artiste construit un fond, un fond de couleur purement pictural, qui lui appartient intimement et qui nous renvoie à sa période abstraite, ce qui donne une grande cohérence à tout son parcours artistique.

La plupart des portraits ont un format carré. Le carré, forme au puissant symbolisme terrestre en raison de sa symétrie centrale, signifie l’équilibre et la représentation d’un monde ordonné et stable. Les diagonales tracent un ordre parfait, définissant un centre qui aspire à contrebalancer le désordre constant et insupportable du monde. Ce centre est précisément la place qu’occupe la figure du modèle.

Il est intéressant d’observer combien, dans les portraits de Herreros, l’atelier est la scène des émotions profondes qu’engendre tout acte de création. Un atelier que l’on ne voit pas, que l’on ne devine pas, de même que l’on ne verra pas d’autoportrait de l’artiste. Dans ces œuvres, le passé et le présent de l’artiste se fondent en une dimension temporelle qui dépasse les périodes chronologiques, abstraites ou figuratives.

Dans ces portraits, chaque visage est porteur d’une histoire, chacun d’eux nous montre une carte des rêves, des pensées, des désirs et des émotions qui a souvent été considérée comme une allégorie du passage du temps.

En parcourant la période abstraite de Herreros, on s’aperçoit que la couleur était son principe vital et la géométrie son principe harmonique. Dans les portraits de cette exposition, ces deux principes sont encore clairement visibles : formes géométriques dépouillées et couleur en vedette absolue.

Aujourd’hui encore, Herreros se souvient avec enthousiasme de ses débuts, lorsqu’il peignait d’après modèle et découvrait le corps féminin. Un corps nu que l’on retrouve dans de nombreuses œuvres de cette exposition. Les années d’adolescence ont éveillé chez lui un vif intérêt pour la figure de la femme. Il n’est donc pas étonnant que ses peintures abstraites aient été complétées par des photographies de femmes nues devant ses tableaux.

Jordi Ibáñez Fanés met l’accent, dans un texte concernant l’œuvre de Herreros, sur la technique de la fresque et de l’icône, deux genres de l’histoire de l’art qui jouent un rôle important dans les peintures de l‘artiste. Pour ce qui est de la fresque, la technique qu’il utilise est très révélatrice : il recouvre d’abord la toile d’une épaisse couche de plâtre pour obtenir une surface qui simule la texture de la fresque et sur laquelle il peindra à l’huile. Ses fonds ont ainsi des rendus qui font penser à des tempêtes crépusculaires et à un espace où le temps est suspendu.

Quant à l’utilisation de l’icône, comme l’indique Ibáñez Fanés, son analyse ouvre sur la part la plus secrète et la plus mystérieuse des œuvres de l’artiste. Les objets qui envahissent ses œuvres et accompagnent souvent ses nus féminins deviennent des énigmes difficiles à résoudre. Ils transmettent, en effet, une étrange vibration qui traverse l’ensemble de l’œuvre et qui relie inconsciemment ces icônes à l’être humain. Le défi pour nous est de découvrir ce lien.

Ramon Herreros représente le désir de l’homme de retrouver la communion avec la nature à travers l’arbre, symbole de l’équilibre naturel puisqu’il assure sa croissance en adaptant sa structure à toutes les difficultés et à tous les terrains où il doit vivre. C’est précisément par l’arbre, symbole cosmique et d’ascendance, que la symbologie apparaît dans l’œuvre de l’artiste. Objet sacré et adoré par les cultures primitives, il est l’image archétypale du centre du monde. L’artiste recherche l’équilibre dans la fusion entre l’arbre et la femme. Une fusion qui apparaît dans plusieurs cultures anciennes et dans la mythologie classique (le laurier et Daphné, l’olivier et Athéna...), atteignant toujours ce point de fantaisie créative à travers les archétypes, qui figurent parmi les plus hautes valeurs de l’humanité.