Mayte Vieta Vieta

Délicate, introvertie et bucolique, telle est l’œuvre que nous présente ici Mayte Vieta. Nous sommes plongés dans un univers petit, ténu, marqué par l’atemporalité. Un miroir placé au fond nous confirme que nous en faisons partie et nous entraîne dans la réflexion de l’artiste sur la beauté. Nous sommes éphémères, nous sommes caducs, mais, l’espace d’un instant, nous sommes pris dans une réflexion complexe, suspendus dans la pensée de Vieta. Efímera [Éphémère] part de cette réflexion sur la beauté et ce qui la définit. Le titre indique qu’il s’agit d’un concept caduc que l’artiste a voulu faire perdurer entre le plexiglas.

L’œuvre de Mayte Vieta adopte plusieurs langages. S’il est vrai qu’elle recourt souvent à la photographie, elle finit toujours par la doter d’un espace physique qui la transforme ainsi en un objet sculptural. Elle explore aussi parfois directement la sculpture. Des lignes et des silhouettes simples, un chromatisme minimal et un grand contenu symbolique. Animals del temps [Animaux du temps] présente des figures ayant un aspect presque totémique. Des lévriers oniriques frôlant la représentation surréaliste et évoquant ces éléphants daliniens qui surgissaient du subconscient.

Comme des souvenirs soigneusement gardés et rangés, ils attendent et survivent en cage, guettant le moment où ils pourront prendre leur envol. Enfermés. Les personnages de Mayte Vieta, statiques et menaçants, attendent dans leurs cages noires, en rang et aux aguets. Des allégories, peut-être, de ces moments aimés qui, volatils et éphémères, n’en sont que plus précieux. Et que l’artiste a voulu, comme une métaphore du temps passé et pour qu’ils ne sombrent pas dans l’oubli, conserver dans des volières. Tout en sachant qu’elle n’en préserve ici qu’une infime partie. La nostalgie, le souvenir et le passé sont des constantes dans l’œuvre de l’artiste.

Sous l’Umbral [Seuil], l’artiste nous attend, présente dans la délicatesse de son œuvre. Des centaines d’ailes nous indiquent la porte qu’il faut franchir. C’est le point de passage d’un monde à un autre. Pour l’artiste, ce pourrait être le chemin de la vie vers la mort, du présent vers le passé ou du passé vers le futur. Autant de concepts récurrents dans son œuvre. Elle travaille également l’espace à exposer, créant une atmosphère bien définie pour entraîner le spectateur dans un état atemporel où seules existent l’émotion et l’idée. La réalité s’évanouit et cède la place à l’émotion que l’artiste veut transmettre au spectateur. Pour y parvenir, l’artiste instaure souvent des dialogues, de ses œuvres entre elles et de celles-ci avec l’espace. Dans cette pièce, l’artiste nous donne le choix : traverser le seuil ou n’être que des spectateurs.

Elle fait de l’eau un refuge, mais aussi un naufrage, l’union des contraires, le vide et la plénitude. La Méditerranée, nostalgique, l’entoure, elle ou ses modèles. Le Bise noir nous plonge dans les profondeurs d’un espace atemporel. L’absence est aussi une totalité. Mayte se meut souvent entre les contraires : la nature et l’humain, l’obscurité et la clarté, le passé et le présent, le mouvement et la quiétude. Ces dualités finissent par créer un univers étrange, bucolique et parfois surréaliste dans lequel nous nous immergeons.

Les racines sont souvent utilisées par Mayte Vieta comme symbole du passage du temps. La Mujer raíz [Femme racine] est un être translucide nourri par le temps. Les racines, comme des vaisseaux sanguins, alimentent cette créature, dont l’existence est composée des minutes, des heures et des jours qui passent. Elle se nourrit, grandit, se tord et recherche la vie par des mouvements impossibles, façonnant une structure qui, bien que statique, n’en demeure pas moins pleine d’expérience, et donc bien vivante.

Images bucoliques, qui oscillent entre le rêve et la réalité. Horizons éloignés qui dotent l’espace de vide. Nature imposante et silencieuse. Mayte Vieta voyage souvent vers le passé dans ses photographies. La Méditerranée lui sert de contexte. Elle devient immanquablement chez l’artiste le symbole par excellence de la nostalgie. Ses paysages nous poussent à une mélancolie aigre-douce car ils évoquent ce passé qui a été et ne sera plus. C’est peut-être une tentative de maîtriser le temps. Car l’artiste, qui se définit elle-même comme quelqu’un de nostalgique, se rend dès qu’elle le peut sur ces lieux qui lui permettent de remonter le temps. Tarde de encuentro [Après-midi de rencontre] est peut-être une rencontre avec l’expérience déjà vécue.

La racine attend, déjà morte et desséchée, de revenir à la vie. Ralentie et au repos, conservée dans le verre, exposée et éclairée d’une façon théâtrale. Elle se résigne à ne pas grandir, à attendre, à hiverner. Le temps ne passe pas, le temps s’arrête dans son réceptacle, mais elle demeure aux aguets. Pour l’artiste, les racines sont souvent le symbole du temps qui passe. En les conservant, on peut parvenir à en maîtriser métaphoriquement le fil. Ou peut-être pas : peut-être que Vieta veut nous montrer que le temps aguerrit, que les heures et les jours créent des courbes, des détours ou des nœuds. Que le temps nous définit, nous forme et nous tord. Qu’il nous permet de grandir. Peut-être que Mayte nous montre que nous existons grâce au temps, que sans lui nous cessons d’exister et ne faisons plus qu’hiverner, dans l’attente qu’il s’écoule à nouveau.

Cabellera del tiempo [Chevelure du temps] est une pièce formée de trois sculptures de paraffine placées dans des vitrines en acier et en verre. On voit ici réapparaître l’obsession qu’a l’artiste de conserver et d’empêcher le passage du temps. Des figures délicates qui représentent le corps féminin surgissent diaphanes et subtiles. Elles en montrent la délicatesse et l’éphémère. Et loin de ne parler que de l’artiste, elles évoquent la fragilité du corps humain en général, parfois sans défense. Vieta n’est donc pas seulement axée sur l’autoportrait, mais sur la représentation de tous les corps, de tout le monde. Elle est en quête d’une représentation universelle.